La cantata, del salón a la iglesia luterna

Hacia 1600, se instaló el canto solista con acompañamiento instrumental, en reemplazo del canto coral anterior. A lo largo de varias décadas, tuvieron lugar muchos ensayos prácticos para tratar de elaborar una línea de canto lo más efectiva y artística posible hasta que, en Venecia, después de 1650, se establecieron dos tipos de canto: el recitativo, una especie de "decir" cantado, rápido, silábico, de melodía más chata y que albergaba mucho texto en su seno, y el aria, con sus melodías onduladas, atrayentes, expansivas y que concitaban la mayor atención. Uno antecediendo a la otra, conformaron una unidad simbiótica y absolutamente equilibrada. Sobre esta base, apareció la cantata, una obra articulada como una sucesión de recitativos y arias para voz solista con acompañamiento de bajo continuo. Podía extenderse entre diez y veinte minutos, su hábitat fue el salón aristocrático y se transformó en el género más importante de la música vocal de cámara del barroco italiano. Su ascenso conllevó la desaparición del madrigal. Sus textos eran básicamente narrativos, sin perfiles teatrales, y sus temáticas, entre muchas más, se vinculaban con el amor, la vida pastoral o la mitología. Alessandro Scarlatti, el padre de Domenico, escribió más de seiscientas y contribuyó a llevar al género hasta su gran apogeo.

En el norte alemán, hacia 1700, la cantata italiana, con sus cuadros musicales sucesivos, fue el modelo sobre el cual se desarrolló la cantata luterana. Pero este género sacro, también en números independientes y sucesivos, y sus textos, poéticos o de las Escrituras, estaban de acuerdo con las fechas del calendario eclesiástico. En lo musical, en la cantata sacra, el canto solista alternó con el coral y el acompañamiento instrumental se ensanchó hacia orquestas de distinta envergadura.