Festival de Mar del Plata: Susan Sarandon y Tim Robbins dieron una ‘clase magistral’ con críticas a EE.UU.

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Periodismo.com
 
Susan Sarandon y su marido, el director Tim Robbins, brindaron el viernes una clase magistral como parte del programa de la tercera jornada del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y fueron ovacionados por el público.

La clase tuvo la modalidad de entrevista pública en la que un moderador guía el desarrollo de la conversación y luego el público hace las preguntas que desee. Allí hablaron sobre el cine, la actuación, pero también de la política exterior de los Estados Unidos.

Me interesan las historias de amor y todas las que hice son de ese tipo. Las chicas que me tocó interpretar son de carácter fuerte y, sin embargo, cuando las hago me parecen tan frágiles. Yo elijo para actuar a personas comunes, ordinarias, que hacen cosas y sienten miedo. No me gusta que empiecen un film siendo héroes. El coraje se demuestra, tal vez, siendo íntimo con otra persona, o decidiendo que ya no se vivirá en la mentira”, confesó Sarandon.

La actriz, que se ha pronunciado en varias oportunidades contra la guerra en Irak y contra las decisiones económicas del presidente Bush, aseguró afirmó que la última entrega de los Oscar significó una renovación de Hollywood, por el gran crecimiento del cine independiente.

Finalmente, brindó un apoyo a los organizadores del festival y a la ciudad: “Cuando se hizo la Cumbre de las Américas en Mar del Plata fue fabulosa la resistencia de la gente. Estamos un tiempo en el que muchos países de Centro y Sudamérica se cansaron de ser patoteados y una de las ventajas de los festivales de cine es ser un foro de intercambio de ideas. El lenguaje de las imágenes se convierte en inspiración para gente está en la misma lucha por justicia en lugares distintos. Un festival de cine puede parecer frívolo pero a veces las películas son los únicos registros que quedan sobre lo que pasa”.

 

 

 

 

 

 

 

#AlbertoMigré (1931-2006)

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LA NACION

Adiós al rey de corazones
Autor por excelencia de la telenovela argentina y artífice de grandes radioteatros, deja una obra de enorme repercusión popular.

Por Marcelo Stiletano de la Redacción de LA NACION|En el teleteatro nadie llegó tan alto ni consiguió tanto como Alberto Migré, que falleció en la madrugada de ayer, mientras dormía, a los 74 años, en su departamento de esta capital.

El hombre que recurrió al impulso idealista y a la misma pasión con la que retrataba a sus personajes más famosos para levantar las banderas de su arte, fortalecerlo como género popular, defenderlo del menosprecio al que fue sometido durante mucho tiempo y disfrutar en los últimos años de un tardío reconocimiento quedará identificado para siempre como símbolo máximo de la expresión romántica en nuestra TV, que pierde a uno de los grandes protagonistas de toda su historia.

“Nada moviliza tanto como el amor de una pareja”, una de sus frases predilectas, fue al mismo tiempo síntesis de la materia prima que forjó su trabajo como autor, y que antes y después del apogeo y la popularidad alcanzados en la TV se expresó con el mismo vuelo en el radioteatro, el primer y último amor de una larga, extensa y prolífica trayectoria. Es que Migré se había iniciado cuando era un chico (no tenía más de siete u ocho años) en Radio Mitre como partícipe de las recordadas “pandillas” de Marilyn y Juancho, y cerró dos temporadas atrás un derrotero único en el mundo del espectáculo con un ciclo de «radioteatro in concert» que ofrecía cada fin de semana en el teatro Maipo como tributo a la tradición en la que se forjó.

Autodidacto de su oficio, creció y aprendió «haciendo de todo» cuando no había cumplido los 20 años primero en la radio -donde fue sucesivamente telefonista, redactor, autor de glosas, sonidista y finalmente autor- y más tarde en TV, lugar al que llegó «por casualidad», según sus palabras, de la mano de Nicolás del Boca.

Nació como Felipe Alberto Milletari en el barrio de Almagro (cortada Yapeyú al 800), el 12 de septiembre de 1931, aunque algunos historiadores de la TV, como el meticuloso Jorge Nielsen, remiten esa fecha a 1928. «Quise ser actor, por lo que abandoné Filosofía y Letras, hasta que don Armando Discépolo y Carlos Arturo Orfeo me rescataron de la oficina de producción de Radio El Mundo, augurándome una exitosa carrera como autor radioteatral», escribió Migré en el libro de conversaciones con la investigadora Nora Mazziotti «Soy como de la familia» (1993), la mejor aproximación a una vida y a una obra contadas en primera persona.

Hizo radio hasta comienzos de la década del 70. Allí disfrutaba como nadie de la posibilidad de exaltar el romanticismo que fue la marca registrada y el sello de una obra que superó los 700 títulos. Y con el tiempo, al comparar la radio y la TV en la charla con Mazziotti, elegía la primera por la posibilidad de afirmar con más fuerza el valor de la palabra a través de un relator «que era, a la vez, un escenógrafo, un meteorólogo, un arquitecto o un analista, algo que no tiene reemplazo en la TV».

La hora de la televisión

Pero era inevitable que a este hombre inquieto, de enorme poder de observación, trato cordial y risa fácil – aunque no tardaba en enojarse contra quienes menospreciaban a la telenovela – le llegara la hora de hacer TV, a la que aportó «Esos que dicen amarse», con Fernando Siro e #Hilda Bernard, en 1959, como primer título digno de consideración. En el libro «Estamos en el aire», Migré dijo que aprendió televisión a partir de los consejos del recordado director Martín Clutet: «Escribía, corregía, iba a los ensayos y grabaciones, observaba los movimientos de cámara, trataba de captar los secretos del videotape. Miraba, miraba y así aprendía».

Con el tiempo y todos los cambios y avatares experimentados por la telenovela, Migré queda en la memoria como cultor de un estilo clásico y generoso en la afirmación de los sentimientos amorosos puestos al servicio de las reglas imperecederas del género: pasiones, suspenso, traiciones, engaños, los buenos y los malos, el romance más allá de las diferencias de edades o de clases sociales. Pero además de llevar a la pantalla referencias radiofónicas (como el aporte del histórico relator Julio César Barton en varias ocasiones), un repaso a algunos de sus grandes obras muestra a Migré como un creador tan sensible al gusto popular como capaz de encarar giros sorprendentes.

En tiempos de su definitiva afirmación como autor televisivo (con el éxito de «Su comedia favorita», con Guillermo Bredeston y Nora Cárpena, en 1964), ensayó para «En casa de los Videla» un escarceo entre un hijo legítimo y una hija adoptiva del matrimonio central. Y en «Rolando Rivas, taxista» (1972), verdadera bisagra de la historia de la telenovela que paralizaba al país cada martes por la noche, se anticipó al costumbrismo hoy en boga con una auténtica historia de sabor barrial porteño y acercó la realidad al melodrama (un hermano del protagonista, guerrillero, muere en un enfrentamiento con la policía).

Desde allí, gracias a su olfato para elegir parejas protagónicas, a la fidelidad a un grupo de actores y actrices secundarios de raza (China Zorrilla por sobre todo, pero también Susy Kent, Antuco Telesca, Dora Ferreiro, Paquita Más, Mabel Pesén y María Elena Sagrera, entre muchísimos otros) y a la pintura de villanas antológicas (como la Matilde de Leonor Benedetto en «Rolando Rivas«) fue amo y señor del rating en las décadas de 1970 y 1980.

#Leonor Benedetto | Rosa de Lejos (1980), de Celia Alcántara y dirigida por María Herminia Avellaneda, con Juan Carlos Dual, Pablo Alarcón, Betiana Blum, Rodolfo Machado, Hilda Bernard, Rodolfo Ranni, Gustavo Luppi, Gabriela Toscano, Pablo Codevila, Lydia Lamaison, Arturo Maly, Mercedes Morán, Cristina Tejedor, Horacio Peña y Enrique Liporace. Versión de Simplemente María (1967) protagonizada por Irma Roy y Alberto Argibay|Alta comedia|Tiempo final|Padre coraje|Piel naranja… años después | Los ricos no piden permiso

En «Dos a quererse», con García Satur y Thelma Biral, sumó los poemas de Julia Prilutzky Farny casi como un personaje más; en «Piel naranja«, con Arnaldo André y Marilina Ross, abandonó el final feliz con un desenlace trágico que pocos olvidan; en «Pobre diabla», con André y Soledad Silveyra, aportó toques de comedia brillante.

#Thelma Biral | LO QUE PASA en el País y el Mundo | 22, el loco (2001) | Desde el abismo (1980)

Vivió más tarde otros éxitos («Sin marido», que identificó como el mejor trabajo de toda su vida, «La cuñada», «Pablo en nuestra piel» y «Una voz en el teléfono») y algunos fracasos como «Fabián 2, Mariana 0», con André y María Leal, que en 1980 fue señal de un cambio de época. El teleteatro clásico semanal (formato en el que Migré se sentía más cómodo) perdió su lugar en el horario central y se afirmó como tira vespertina, lo que conspiraba contra un método de trabajo indelegable: Migré prefería trabajar solo y nunca simpatizó con la idea del equipo autoral, hoy afirmada.

En los últimos años se volcó al rescate del radioteatro («busqué recuperar una profesión que había desaparecido y todos me miraban como a un loco», dijo), a recibir homenajes, a polemizar sobre el estado de la TV y a alentar el trabajo de los autores desde la presidencia de Argentores, que ejerció hasta anteayer. En el Panteón de Actores de la Chacarita, hoy, a las 11, recibirán sepultura los restos de quien decía que sólo un poco de buen amor salvará al mundo.

Sus mayores éxitos

«Piel naranja» (1975): Marilina Ross y Arnaldo André protagonizaron una historia de amor prohibido que terminó trágicamente y rompió las reglas clásicas del final feliz. Con China Zorrilla y Raúl Rossi, más un término que hizo historia en boca de André: «Rohayhu».

«Rolando Rivas, taxista» (1972): la novela que marcó un antes y un después en la historia del género local, el romance entre un taxista (C. García Satur) y una joven de la alta sociedad (Soledad Silveyra) que atrapaba a multitudes y en el que cada semana aparecía un famoso subiéndose al taxi del protagonista. El primer capítulo, con Nélida Lobato, será repuesto mañana por el canal de cable Volver, en un homenaje a Migré que se iniciará a las 17.

«Una voz en el teléfono» (1990): Raúl Taibo y Carolina Papaleo en el último gran éxito de Migré y de su colaboración con Alejandro Romay.

«Pablo en nuestra piel» (1977): con María del Carmen Valenzuela y Arturo Puig, otra fructífera muestra del olfato de Migré para elegir grandes parejas protagónicas.

Fiesta Nacional del Teatro

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La Nación
 
Agenda del día

A las 15, "Al agua morsa", espectáculo infantil que representa a la provincia de Buenos Aires. Duración: 45 minutos. En Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Gratis.

A las 19, "Conejo", representante de la provincia de San Juan. Duración: 35 minutos. En Anfitrión, Venezuela 3340. Gratis.

A las 19.30, "ADN", representante de la provincia de Córdoba. Duración: 90 minutos. En El Portón de Sánchez, Bustamante 1034. Gratis.

A las 20, "Una", representante de la provincia de Santa Fe. Duración: 75 minutos. En el Centro Cultural Rojas, Corrientes 2038. Gratis.

Las entradas se retiran dos horas antes de la función en cada sala.

Noche de estrellas en el XXI Festival de Cine

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La Nación

 
 
En Mar del Plata
Varias figuras llegaron con retraso por el paro de Aerolíneas
 

  • Cerca de tres mil personas se reunieron entre los edificios del Casino Central y el hotel Provincial
  • Hubo muchos actores del cine argentino y también internacional

 

MAR DEL PLATA – A todas luces comenzó, ayer, el XXI Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Durante todo el día, la ciudad vivió con expectativa la llegada de figuras conocidas del cine argentino e internacional que participarán de la muestra competitiva que va por la décima entrega desde su vuelta, en 1996.

Con algunos problemas en Buenos Aires, a raíz de la huelga del personal de Aerolíneas Argentinas que impidió a muchos de los visitantes volar hasta esta ciudad como estaba planeado (se recurrió a transporte terrestre como combis o automóviles), la velada inaugural comenzó con casi tres horas de retraso.

La demora no impidió que frente al hotel Hermitage, sobre el Boulevard Peralta Ramos, se concentrara medio millar de curiosos que esperaban la salida de las figuras, rumbo al Auditorium, más engalanado que nunca antes para este evento, con una escenografía a todo despliegue y con grandes pantallas que transmitían las notas que en ese mismo momento se hacían en el foyer de la sala Astor Piazzolla.

Funcionarios y estrellas

Desfilaron funcionarios como el ministro del Interior, Aníbal Fernández; el secretario de Cultura, José Nun; el diputado -y flamante presidente de la comisión de Cultura de la Cámara baja- Jorge Coscia; así como Jorge Alvarez y María Lenz, titulares del Incaa, y Miguel Pereira, que preside el festival desde 2003. No obstante, el público aguardaba, impaciente, a las figuras del cine.

El director de arte Eugenio Zanetti; actores como Ricardo Darín, Eduardo Blanco, Víctor Laplace, Virginia Innocenti, Mimí Ardú y Graciela Borges; directores como Juan Bautista Stagnaro, Eduardo Calcagno, Luis Puenzo, Marcelo Piñeyro y Daniel Burman; productores como Carlos Mentasti y Luis Alberto Scalella; y como estaba previsto, las estrellas internacionales que cerraron la pasarela por la alfombra azul que desde la edición del año último identifica a la muestra marplatense.

En medio del entusiasmo de las más de tres mil personas reunidas entre los edificios del Casino Central y el hotel Provincial, que son símbolos de Mar del Plata, y a pesar del frío, por la larga explanada desfilaron la francesa Juliete Binoche con el guionista Santiago Amigorena, y poco después, en medio del festejo de la gente, Susan Sarandon y Tim Robbins, rodeados de un fuerte operativo de seguridad que puso distancia a los numerosos fotógrafos de los artistas.

Casi de inmediato también llegó Mirtha Legrand, presencia que anticipó el comienzo del acto que se verá mañana, en diferido (a las 22.30) por Canal 13.

Al cierre de esta edición, «Iluminados por el fuego», de Tristán Bauer, era homenajeada por sus valores, y por la proeza de haber recibido desde su estreno, además del aplauso de 400 mil espectadores, una decena de premios internacionales, entre ellos el Gran Premio del Jurado en San Sebastián y el Coral a mejor película en el de La Habana.

Por Claudio D. Minghetti
Enviado especial

Una mirada a la obra de Fabián Polosecki

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Clarín

Polo: el buscador

 
Título Polo: el buscador
Autor Hugo Montero e Ignacio Portela
Editorial Catálogos
La aparición del programa de Fabián Polosecki a principios de los 90 representó algo más que una bocanada de aire fresco: fue la definitiva imposición de un estilo inédito en la televisión argentina. La clave fue detenerse en aquellas historias que ya nadie se preocupaba por escuchar.
Esa nueva mirada que se instaló a partir del impacto de El otro lado se basaba en la búsqueda de historias que estaban allí, casi ocultas en las calles de Buenos Aires. El programa de Polo se encargó de correr las luces y enfocar la mirada hacia esas miles de historias escondidas en las sombras, protagonizadas por ladrones, por vecinos, por trabajadores.
Una verdad poética recorrió desde el principio su trabajo y generó una mística propia: lo extraordinario respira en lo cotidiano. Polosecki terminó sus días arrojándose bajo las vías de un tren el 3 de diciembre de 1996, dejando tras de sí una brumosa estela de dolor e interrogantes, pero también un legado artístico que resuena hasta nuestros días y que este libro intenta recorrer.


Los autores
Hugo Montero e Ignacio Portela

Ambos son periodistas, egresados ambos de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora. Son fundadores y miembros del Consejo de redacción de la revista cultural Sudestada, que ya lleva cinco años de existencia como publicación cultural independiente. Además, han colaborado en diversas revistas como Le monde Diplomatique, El Espejo y Lezama, entre otras. Polo: el buscador es su primer libro.

 

 

 

 

 

 

 

 

Todos admiraron a Robert Capa anoche en el Centro Borges

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La Nación
Más de 70 imágenes del siglo XX

Mucha gente joven recorrió la muestra de uno de los precursores del fotoperiodismo

Una exhibición de 77 fotografías del célebre fotoperiodista Robert Capa reunió anoche en el Centro Cultural Borges a una nutrida concurrencia, en su mayoría jóvenes, que admiraron su obra elevada, a estas alturas, a la categoría de arte. Capa, el creador de imágenes inolvidables de la primera mitad del siglo XX es una celebridad del fotorreportaje de guerra, aunque también fue fotógrafo de celebridades.

La muestra, curada por Virginia Fabri, se compone de fotografías de las dos Guerras Mundiales, de la Guerra Civil Española, de las contiendas de Indochina, China y Vietnam, de encendidos discursos de la revolución bolchevique, de gente en situaciones límite, entre otras.

Allí están, por ejemplo, las imágenes del miliciano abatido en el cerro Murciano, de León Trotsky hablando ante un grupo de estudiantes daneses, del desembarco en Normandía -que cubrió como corresponsal de la revista Life-, de un té compartido por dos ancianos en un refugio antiaéreo en Londres una tarde de 1941, de las ruinas del gueto de Varsovia.

Capa inmortalizó en el rostro de miles de personas anónimas el sufrimiento, el frío, el hambre, el abandono y el terror provocados por la guerra, la algarabía por la recuperación de la libertad, la pasión del discurso ideológico, convirtiendo esas fotos en verdaderos testimonios. Pero aunque su fama cundió mundialmente como reportero de guerra, fue también un bon vivant, aventurero amigo de leyendas como Ernest Hemingway, John Huston, John Steinbeck, Pablo Picasso y Gary Cooper, y tuvo durante dos años un romance con la bella Ingrid Bergman.

Fundador de la agencia Magnum, una cooperativa de fotógrafos creada junto con Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger y William Vandbert, se dedicó especialmente a motivar a los jóvenes entusiasmados con el arte de captar las imágenes para todos los tiempos. La muestra puede visitarse hasta el 25 de abril próximo, de lunes a sábados, de 10 a 21, y los domingos, de 12 a 21.

Maestro de la imagen

Anoche, el Centro Cultural Borges se llenó de jóvenes, muchos de ellos fotógrafos o estudiantes de arte que quisieron admirar de cerca el trabajo de un icono que se estudia en las universidades como uno de los maestros de la fotografía del siglo XX, junto con Henri Cartier-Bresson.

El fotógrafo italiano Valerio Bispuri y su colega francés Rudolph Phgoupil retratan los conflictos y movimientos sociales dondequiera que van. Presentes en la muestra de Capa, dijeron a LA NACION: «Venimos de cubrir la asunción de Evo Morales y vinimos a ver la muestra del maestro Capa para seguir aprendiendo».

Sofía Wachler comentó con asombro: «Para mí es impresionante. Venía de la calle de cubrir la destitución de Ibarra y apenas entré me encontré con la fotografía de Trotsky, de la que tanto me habló mi padre. Mi padre era polaco y fue a buscar a mi abuelo a Moscú, cuando lo sorprendió la revolución rusa». También Miguel Rep quiso conocer más sobre la historia de Capa. «Esta muestra me completa algunos aspectos que yo desconocía sobre su historia bélica. Capa es, junto con Cartier-Bresson, el gran fotógrafo de la historia del siglo XX», dijo.

El director del Centro Cultural Borges, Roger Haloua, ponderó la obra de Capa, «un fotógrafo espectacular y singular». La agregada cultural de la embajada de Estados Unidos, Martha Buckley, dijo que el auspicio de la muestra de Capa «no tiene ningún significado político» -habida cuenta de que Estados Unidos es un país en guerra contra el terrorismo internacional-, y destacó que «Capa es un icono de la fotografía y en medio del horror de la guerra él supo retratar a los más desprotegidos».

En tanto, la agregada de prensa de la embajada, Mara Tekach, puso de relieve que Capa inspiró a esa leyenda del cine que se llamó Alfred Hitchcock en el personaje central de «La ventana indiscreta», a la vez que Irwin Shaw también lo recreó en su novela «Crepúsculo en Bizancio».

Por Susana Reinoso
De la Redacción de LA NACION

En China prohíben hablar de Ang Lee y la premiada Brokeback Mountain

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Infobae
 
El gobierno prohibió informar acerca del premio Oscar que obtuvo el taiwanés Ang Lee. Aseguran que "la sociedad china no está preparada para enfrentarse a ese tema", en referencia a la homosexualidad

(EFE).- El Gobierno chino ha prohibido a la televisión estatal informar sobre el Oscar al mejor director conseguido por el taiwanés Ang Lee por "Brokeback Mountain".

"No se puede hablar de la película, es una prohibición que ya nos enviaron hace más de un mes y que hoy reiteraron con motivo del Oscar", declaró hoy un periodista de la Televisión Central de China (CCTV) que pidió no ser identificado.

La directiva del canal justificó la prohibición con el argumento de que "la sociedad china no está preparada para enfrentarse a ese tema" al referirse a la homosexualidad de los dos protagonistas, según esta fuente.

Aunque la versión digital en mandarín de CCTV tiene en su portada el Oscar de Lee, ninguno de sus canales, así como la agencia oficial Xinhua, emitieron hoy la noticia, excepto el canal CCTV-6, que transmitió la gala en directo, aunque no ha emitido ninguna imagen de la película de Lee, según pudo comprobar EFE.

El departamento de edición, los centros de Noticias y de Ultramar de CCTV y los funcionarios de CCTV-6 se negaron a confirmar a EFE esta prohibición después de más de una docena de llamadas que fueron derivadas a otros departamentos.

A finales de enero un responsable de China Film Group, única institución autorizada a aprobar películas en el país asiático, señaló al diario "Shenzhen Daily" que la película de Lee no se estrenaría en los 1.300 cines que hay en China.

"Se debe a que el contenido es sensible: amor entre homosexuales. El hecho de que haya recibido premios internacionales no significa que su taquilla vaya a ser muy abundante en China", justificó este responsable, que también pidió no ser identificado.

Una responsable de China Film Group contactada por EFE se negó también a hacer comentarios sobre el Oscar y derivó la llamada a otro departamento.

"Brokeback Mountain", adaptación de una novela de la premio Pulitzer Annie Proulx, recrea la historia de amor entre dos "cowboys" en Wyoming, y además del galardón al mejor director ha conseguido el de mejor banda sonora original y mejor guión adaptado.

Se trata de la segunda ocasión en dos meses que Pekín prohíbe una superproducción por su contenido, después de que en diciembre vetara "Memorias de una Geisha", protagonizada por las dos principales actrices chinas, por interpretar a dos geishas japonesas (eterno país rival), consideradas en China como prostitutas.

 
 
 
 

Santaolalla aseguró que el film «Secreto en la montaña» merecía ganar pero que la Academia «no se bancó la película»

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La Nación
 
Con el premio entre sus manos y sin un minuto para reflexionar sobre lo que significa, Gustavo Santaolalla dialogó con LA NACION desde sus oficinas de Los Angeles.

Santaolalla dixit

  • "Tenía que ganar esa película ("Secreto en la montaña") fue la más grosa, todo el mundo lo sabe, pero la Academia es la Academia y no se bancaron el film".
  • "Este año cumplo 40 años con la música y bueno, todo esto es un poco el fruto de estos años de mucho laburo".
  • "Si hay algo deja el film, más allá de la cuestión sexual que queda realmente en segundo plano, de lo que se está hablando es de lo que somos los seres humanos, del dolor, de la pérdida, de todas esas cosas que afectan a todo el mundo por igual, no importa cuál sea tu historia personal".
  • "Todavía no pude notar nada y no pude ni dormir. No he parado ni a reflexionar, está todo muy caliente. Supongo que esto me dará mas exposición y más propuestas".
  • "Yo amo a la Argentina y el amor que tengo por mi país lo profeso con mi trabajo."

 

Comentarios de lectores

06.03.2006 | davidnalbandian  

" Debio haber ganado "Broockbake Mountain", Vidas Cruzadas es malisima  ".

Ciclo Calamar Radioactivo: un acercamiento al Cine Oriental y al #Animé de última generación | #Videojuego

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Ciudad.com

Por Marcela Mazzei | Para los amantes del #animé – anime de calidad y el cine oriental contemporáneo, comienza hoy en el Club de Cultura Plasma (Piedras 1856) el ciclo Calamar Radiactivo.

Cóctel explosivo de guerreros de ojos grandes, más el cruce de géneros que caracteriza a las producciones de la última generación de oriente: entre dramas ultra-violentos, comedias absurdas con toques gore y heroínas sangrientas y tecnológicas “como nunca se han visto”, prometen los organizadores.

En el estreno, a las 18:30 puntual, los primeros tres capítulos de Blood+, una de #vampiros con buena historia y de animación de calidad, según los entendidos. Made in Japan del año pasado, la serie de varios episodios está basada en Blood: The Last Vampire, un #manga y también película donde la joven Saya, a causa de una amnesia, no recuerda que es la última guerrera contra los demonios,

hasta que recupera su arma asesina. Corre el año 1966, durante la Guerra de Vietnam, cuando la heroína se infiltra en una base militar norteamericana para investigar a los Chiropterans, seres extraños de fuerza sobrehumana que parecen vampiros, pueden transformarse, volar, todo en pos de su fanatismo por la sangre.

En continuado, a las 20:30, a no dejarse engañar por la belleza de los dibujos de Uzumaki, la película también japonesa es una historia de terror. Y cuenta las desventuras de los habitantes de un pequeño pueblo de ese país que sufren una extraña y obsesiva atracción hacia los espirales. Espeluznantes crímenes comienzan a ocurrir y mutaciones inexplicables amenazan con destruirlo todo. Desde el laboratorio Higuchinsky, prometen 90 minutos de sobresaltos y sustos de lo más entretenidos.

Programado para todo el mes de marzo, en los domingos siguientes el Calamar radiactivo exhibirá –entre otros– Takeshi Kitano. El Imprevisible; el único documental hasta la fecha del siempre controvertido director japonés; Tom Yum Goong, película del tailandés Prachya Pinkaew: acción y acrobacias sin efectos digitales ni cables; y la película de animación 3D Final Fantasy: Advent Children, basada en el popular videojuego Final Fantasy VII | #Final Fantasy

#radiactivo | ecchi | hentai

Más que recomendable para exorcizar las tardes de domingo, con guiño de los expertos: “El cine oriental es lo que viene…» firmó #Quentin Tarantino en la entrevista que dio para el documental Katanas, Yakuzas y Cintas de video.

10.ª edición de los Crunchyroll Anime Awards (2026)

#Videojuego | The Game Awards (2025) | Campeonato Mundial de League of Legends (2025) | Campeonato Mundial de League of Legends (2024) | Campeonato Mundial de League of Legends (2023) | Mid-Season Invitational (2023) | Campeonato Mundial de League of Legends (2022) | videojuego multijugador de arena de batalla en línea – videojuego de carreras – videojuego de plataformas | #Cultura | LO QUE PASA en la Cultura y el Deporte

Sonic | Silver

Studio Ghibli

CENTRO CULTURAL RECOLETA

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http://www.centroculturalrecoleta.org

#Diseño | #Cine | Diseño y Edición | Audiovisual | Apuntes – #Radio – #Televisión | #Comunicación – Cultura, Deportes y Comunicación: Medios. Diseño, Imagen y Sonido. Carpeta 

Fue convento, cuartel, academia de dibujo, hospital, asilo de mendigos y de ancianos hasta convertirse en 1980 en una institución cultural. Comenzó su construcción a principios del siglo XVIII por iniciativa del comerciante español Juan de Narbona.

En la Sala Histórica se combina una exhibición permanente con una temporal que va cambiando. La primera parte refleja a través de un video y una cronología la prehistoria del edificio, el comienzo de su construcción a principios del siglo XVIII por iniciativa del comerciante español Juan de Narbona y las transformaciones del complejo edilicio hasta transformarse en un Centro Cultural.

La segunda narra, a través de microhistorias textuales acompañadas de imágenes, una serie de eventos destacados y algunos poco conocidos, del que fuera desde 1980 el Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (CCCBA), denominación reemplazada en 1990 por la actual: Centro Cultural Recoleta.

La exposición temporal ubicada en la tercera parte de la muestra, tiene en (2024) a los artistas que marcaron la historia del centro cultural a lo largo de más de cuarenta años y lo transformaron en un espacio mítico para las artes y la cultura del país. León Ferrari fue el primer artista homenajeado con dos grandes obras (las cajas collage “Rosas” y “Sin título”) y le sigue Liliana Porter, de quien se exhiben tres obras por cortesía de la artista y de Ruth Benzacar Galería de Arte: “Situación” (2014, técnica mixta), “Situation with Boats” (2017, acrílico y assemblage sobre libro vintage) y “El cautivo – díptico” (1988, óleo, assamblage).

Curador Javier Villa. Investigación histórica: Valeria Bortoletto
Documentación CeDIP: Gabriel Liporace, Emiliano Sánchez, Ana Fazio.
Textos microhistorias: Carolina Prieto, Andrea Santapaola, Lucía Roitbarg. Diseño gráfico: Marius Riveiro Villar. Producción general: Verónica Otero.
Producción: Matías Tapia. Departamento de arte: Luis Gimelli. Video: Cristian Scriva, Juan Montes, Micaela Gorojovsky. Imágenes: equipo de fotografía CCCBA y CCR. Agradecimientos: Liliana Porter y Ruth Benzacar Galería de Arte.

Martín Rejtman, una retrospectiva (2024). Charla con el director junto a Leonardo D’Espósito.

Vestuario en escena: Graciela Galán (2024). Se exhiben algunos de sus trabajos más sobresalientes, desarrollados en colaboración con directores como Jorge Lavelli, Laura Yusem, el coreógrafo Mauricio Wainrot y la cineasta María Luisa Bemberg. Son piezas conservadas en el Centro de Vestuario del Complejo Teatral de Buenos Aires. Curaduría: Silvina Vicente.

Agradecimientos: A los trabajadores y artesanos del Taller de Sastrería y al personal del Centro de Vestuario del Complejo Teatral De Buenos Aires, quienes con su valioso trabajo hacen posible la realización y preservación de esta valiosa colección. A la Fundación de Amigos del Teatro San Martín, cuya iniciativa dio origen al Centro de Vestuario, que en 2025 celebrará sus primeros diez años y al Museo del Cine que permite exhibir trajes de su colección y así mostrar la versatilidad del trabajo de Graciela Galán en cine.

Postrópico (2024), de Nicolás Gullotta

RED – Infancia Interrumpida (2024), de Nora Lezano. La dirección de la muestra y los textos que acompañan cada foto son de Patricia Carrascal; la producción general es de Rocío Irala y Hernández.

Contorno biográfico (2024), de Roxana Ramos.

Comienzo del juego (2024) exposición multidisciplinaria e interactiva curada por Rodrigo Alonso (Sala Cronopios) y los críticos literarios Maximiliano Tomas y Pablo Gianera respectivamente. Está dedicada a la vida y obra de Cortázar; dos cortometrajes realizados para la muestra por el cineasta Eduardo Montes Bradley.

Diseño Expositivo en Salas J y C: Marius Riveiro Villar y Luis Gimelli. Producción General: Juliana Barbone. Coordinadora de Artes Visuales: Verónica Otero. Revisión de textos: Carolina Prieto. Agradecimientos:
Centro de Arte Moderno (Claudio Pérez Míguez y Raúl Manrique Girón, Madrid), Eduardo Montes-Bradley, Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Academia Nacional de Bellas Artes, Conexión Buenos Aires – Madrid (María Victoria Alcaraz), Galería Francisco Traba, Fundación Federico J. Klemm, Ignacio Liprandi, Inés Vega, Acción Cultural, Gabriel Vázquez, Galería Daniel Mamann, Daniel Fischer, Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo, Penguin Random House, a los artistas que participan y al equipo del Centro Cultural Recoleta.

Artistas en Sala Cronopios:
Florencia Almirón, Manuel Ameztoy, Gisela Banzer, Abril Barrado, Mildred Burton, Jorge Castro, Roberto Cenderelli, Hugo Covarrubias, Fermín Eguía, Gerardo Felstein, León Ferrari, Edgardo Giménez, Sebastián Gordín, Nadia Guthmann, Irene Lasivita, Jorge Macchi, Marta Minujín, Diego Pogonza, Inés Raiteri, Hugo Sbernini, Marcela Sinclair, Elsa Soibelman, Graciela Taquini, Pablo Suárez y Paula Toto Blake.

Jajan’t (2024) de Paula Castro.

NOMAD (2024), intervenciones artísticas del artista Aaron Nachtailer

Una imagen mil palabras (2024), de Guillermo Piro

Sensor de movimiento (2024) exposición individual curada por Javier Villa, Noel de Cándido (Córdoba, 1980)

Memorias en gestación (2024) exposición colectiva que cruza arte, tecnología y ciencia curada por Jimena Ferreiro.

Proyectos de los artistas Andrés Belfanti (Villa María, 1985), Federico Ragessi (Ciudad de Córdoba, 1985), Penny Di Roma (Ciudad de Buenos Aires, 1988), Indira Montoya (Ciudad de Córdoba, 1975), Karen Palacio (Ciudad de Córdoba, 1994), Franco Palioff (Junín, 1988), Leonello Zambón (Ciudad de Buenos Aires, 1970) y el Sindicato Involuntario (colectivo integrado por Jerónimo Bujman, Estanislao Correa, Inés Laurencena, Carlos Lescano, Dai Natalia Perséfone Miauro, Micaela Pérez, Gimena Utense, Dante Vaccaro Arakaki, Tomás Werth y Leonello Zambón). Coordinadores de MediaLab CCEBA: Matías Romero Costas y Emiliano Causa. Directora del CCEBA: Coca Morazo.

Colección Shakespeare, vestuario del Complejo Teatral de Buenos Aires, de Silvina Vicente.

Antología Flotante, de Carlos Bissolino.

Función privada, de de Bruno Gruppalli.

La multitud agazapada, de El Pelele. Es un artista-personaje inspirado en la pintura homónima de Francisco de Goya, una representación de un juego popular del siglo XVIII que consistía en tirar un muñeco al aire.

Odaraia, de Jazmín Berakha.

Centinelas, de Victoria Liguori

¿Cuánto pesa el amor?, incluye obras de Carlos Alonso, Manuel Ameztoy, Amalia Amoedo,  Mónica van Asperen, Gabriel Baggio, Fabiana Barreda, Fabián Bercic, Antonio Berni, Delia Cancela, Claudia Casarino, Ailí Chen, Cynthia Cohen, Guillermo Conte, Nicola Costantino, Ángela Copello, Flavia Da Rin, Petu de Mareca, Celina Eceiza, Sara Facio, Yanina Faour, León Ferrari, Mónica Fierro, Juan Manuel Figueroa Aznar, Yiyú Finke, Ana Gallardo, Daniel García, Nicolás García Uriburu, Edgardo Giménez, Sara Goldman, Carlos Gorriarena, Vicente Grondona, Yuyo Gardiol, Carlos Herrera y Roberto Jacoby.

También se exhiben obras de Daniel Joglar, Alexandra Kehayoglou, Fernanda Laguna, Fabiana Larrea, Pablo Lehmann, Marcos López, Matilde Marín, Hernán Marina, Ulises Mazzucca, Paloma Mejía, Ad Minolitti, Marta Minujín, Alejandra Mizrahi, Margarita Paksa, Alberto Passolini, Teresa Pereda, Susana Pérez, Débora Pierpaoli, Liliana Porter, Claudia del Río, Silvia Rivas, Josefina Robirosa, Anatole Saderman, Soledad Sánchez Goldar, Jéssica Sandoval, Diana Schufer, Paula Senderowicz, Paola Sferco, Cindy Sherman, Paulina Silva Hauyon, Elisa Strada, Pablo Suárez, Mariana Tellería, Clorindo Testa, María Torcello, Paula Toto Blake y Luis Wells.

#Sara Facio – Diseño y Edición | Audiovisual | Apuntes – #Internet | Apuntes | LO QUE PASA Agenda | LO QUE PASA Agenda

EN LA MUESTRA «TERRITORIOS»: Vuelven a exponer un clásico de Berni

ArteBA rindió homenaje a cuatro maestros de la plástica

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Locos por Cortázar: en Madrid dedican un mes a su figura

León Ferrari | MARCELO BRODSKY | #TatoBores

Clarín

#Cine: CICLO GRATUITO EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA

Los filmes de la buena memoria | Con el nombre «30 años, 30 mil desaparecidos, 30 películas», comienza el jueves.

La construcción de la memoria es una tarea colectiva. Es por eso que la iniciativa del Gobierno de la Ciudad de conmemorar un nuevo aniversario del golpe de Estado que inauguró los años de plomo es más que bienvenida. En particular si recuerda el 24 de marzo de 1976 organizando un ciclo como «30 años, 30 mil desaparecidos, 30 películas». La proyección de los filmes comenzará a partir del jueves en el Centro Cultural Recoleta, en los horarios de 14.30, 16.30 y 19.00 (de martes a sábado) y de 14.30 y 18.30 (los domingos). La entrada será libre y gratuita, y las películas se presentarán junto a la muestra «30 años, imágenes de la memoria».

«Desde la recuperación de la democracia en 1983, el cine argentino ha asumido, con compromiso y creatividad, la necesidad social de interpelar permanentemente nuestra memoria y también nuestro olvido —comentó al respecto el Secretario de Cultura porteño, Gustavo López—. El Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, en esta nueva conmemoración del período más trágico de la Argentina, ofrece una muestra que despliega los múltiples abordajes de con que la cinematografía argentina participó, a lo largo de estos treinta años, en la ineludible tarea de construir nuestra memoria histórica.» Por otra parte, como remarca el director del Museo del Cine porteño, David Blaustein, «en la construcción de todo este ciclo histórico es particularmente conmovedora la presencia de toda una generación de H.I.J.O.S. cineastas, como Roqué, Habegger, Carri, Avila y Bruschstein, que suman el apellido y la identidad de sus padres a la construcción de la memoria colectiva. Esa suma de nombres delata la existencia de un fenómeno cultural y cinematográfico tan denso como merecedor de un dudoso orgullo.»

El ciclo se desarrollará entre este jueves y el sábado 1º de abril, y contará con filmes como Vidas privadas, de Fito Páez, Los rubios, de Albertina Carri, H.I.J.O.S., el alma en dos, de Carmen Guarini y Marcelo Céspedes, Raymundo, de Ernesto Arditto, El Nüremberg argentino, de Miguel Rodríguez Arias, Un Buda, de Diego Rafecas, Kamchatka, de Marcelo Piñeyro, o Figli/Hijos, de Marco Bechis. Y, por si hace falta remarcar la importancia de que sea el Estado el que fomente la buena memoria, vayan las palabras de la Directora General de Museos porteña, Mónica Guariglio: «Los treinta años se cuentan a partir de los treinta mil. Por eso, exhibir estas películas resulta inevitable».

CULTURA: MUESTRAS DE BOTERO, LICHTENSTEIN Y ROBERT CAPA. Y UNA, A 30 AÑOS DEL GOLPE MILITAR

Grandes maestros del arte, unidos contra el autoritarismo