Es notable el fervor del público colombiano durante los días del Festival Iberoamericano de Teatro. En las colas, antes de entrar en las funciones, no paran de hablar sobre los espectáculos que han visto y se entusiasman ante los que verán. Son durísimos cuando algo no les interesa y se deshacen en halagos cuando los artistas los conmueven. Casi siempre aplauden de pie.

La oferta del festival continúa siendo amplísima y con una importante asistencia de público. Por día hay entre 14 y 18 propuestas diferentes, sólo en salas y, por ejemplo, los sábados y domingos algunos espectáculos se ofrecen en doble función, con lo cual se pueden ver hasta tres puestas en una misma jornada, siempre y cuando algún atasco en una carrera (avenida) no demore demasiado la llegada al teatro.

Las entradas varían, de acuerdo con el espacio y el espectáculo, entre 10, 20 y 40 dólares. Los espacios son amplísimos, en general, y siempre están colmados.

Esta realidad, que se repite edición tras edición, si bien puede sorprender a muchos está siendo determinante para el teatro colombiano, porque se organizan coproducciones entre algunos grupos y el festival, y también con otros festivales o teatros del exterior. En esta temporada se puede ver una versión de “Hamlet” con elenco colombiano y director mexicano, Martín Acosta, coproducida entre Colombia y el Festival Cervantino de México; la compañía local L’ Explose de danza contemporánea, que dirige Tino Fernández y coproduce con la embajada francesa y la Bienal de Danza de Lyon, y un trabajo del autor bogotano Fabio Rubiano -"El vientre de la ballena"- se realiza en coproducción con el teatro esloveno Mladinsko y dirección del también esloveno Matjaz Pograjc.

Algo que comentan mucho los colombianos es que el Festival Iberoamericano de Teatro ha promovido un fuerte desarrollo en la cultura bogotana, la que está desarrollándose con fuerza en las más diversas artes.

Nuevos montajes

Entre las propuestas internacionales que día a día van sumándose a la grilla de la programación se han destacado tres que vuelven a hacer referencias a cuestiones sociales y políticas.

Desde Rusia -país invitado- "Avenida Nevsky", basado en un texto de Nicolás Gogol y con dirección de Ruslan Kudashov, mostró con severidad la relación entre los artistas, su cultura y su sociedad. Se trata de una experiencia de marionetas pequeñas, títeres de guante y teatro de sombras. Por la avenida Nevsky, una arteria principal en San Petersburgo, se pasean artistas muy convencidos de su arte, mientras a su lado miles de seres anónimos transitan sin que los encargados de retratarlos puedan verlos. Por debajo de la calle el infierno de los muertos aparece de continuo alzando su voz para mostrar las contradicciones. El cruce es de un doloroso patetismo.

Italia está representado en el Festival por un grupo de Sicilia, Sud Costa Occidentale-CRT. Con dramaturgia y dirección de Emma Dante, ellos presentan una experiencia pequeña en su estructura, pero de fuerte intensidad en su actuación y en su intención. Una familia tradicional se prepara para salir pero, a causa de que una de sus integrantes lleva un calzado poco adecuado, las discusiones potencian la exposición de la realidad de ellos, en relación con el mismo ámbito familiar y también con la sociedad de la que forman parte. Trabas de todo tipo los han condicionado en sus modelos de vida y de ellos parecen no poder salir, aunque lo intenten una y otra vez. Buenos intérpretes, se apoyan en su trabajo físico para expresar tanta pacatería que los impregna y de la que, ingenuamente, intentan desprenderse.

El esloveno teatro Mladinsko presentó "La reina Margot", de Alejandro Dumas, con dirección de Diego de Brea. En un ámbito totalmente despojado, unos fuertes actores van desandando un fragmento de la historia francesa del siglo XVI, aquella que muestra las consecuencias del matrimonio entre la princesa católica Margarita y el rey de los hugonotes Enrique de Navarra. Intrigas, traiciones y crímenes se van sucediendo a lo largo de la representación y, siempre, en nombre de Dios, el poder mantiene su estructura sin importarle las consecuencias. De Brea construye unas atmósferas muy intensas con fuertes aportes lumínicos y una música que marca ciertos ritmos de la puesta. En la interpretación prefiere diálogos breves, relaciones actorales muy acabadas y, de continuo, unas pausas que obligan al espectador a detener su atención para reparar en esos acontecimientos que se suceden y en esos hombres y mujeres que, como peleles esperpénticos de a ratos, van dando forma a la historia de un país. Diego de Brea, también, apoya todo su montaje en la conformación de imágenes que remiten al más acendrado barroquismo español y con una fuerza muy sugerente.

Por Carlos Pacheco
Para LA NACION

Cruzado el umbral del álbum, entonces uno cae en la cuenta de que sí, que es cierto, que "Ahí vamos" empieza antes de su primer tema, más precisamente en la portada del disco: la silueta de Cerati blandiendo su instrumento, en blanco y negro, pero con un haz de luz (¿celestial?) que emana del centro mismo de la guitarra.

En el camino recorrido entre la tapa/tributo a la guitarra y "Jugo de luna", el tema que cierra el disco casi una hora después de su inicio, se encuentra una obra que recupera al Cerati más rockero (ese que los seguidores de Soda Stereo asocian indefectiblemente con "Canción animal" y "Dynamo", quizá los dos mejores trabajos del trío), con cierto instinto conceptual, apoyado en una banda de músicos impecables y en un trabajo obsesivo de producción admirable.

Uno entre mil

"Llevame a un lugar con parlantes que nos vuele la sonoridad por el aire", canta en el segundo tema, "La excepción", y la dupla Cerati-Coleman entrecruza guitarras distorsionadas como si se tratara de un par de adolescentes jugando a ser estrellas de rock. El ex Soda canta, hace los coros y su voz se repite en diferentes planos, de modo que crea su propio reverber. Para disfrutar con auriculares (ideal para los tan de moda reproductores de mp3, aunque también funciona en el viejo walkman, por supuesto).

En "Uno entre 1000", el asunto de la guitarra no se detiene y se suma una batería machacante a cargo del "Bolsa" González, un peso pesado del rock de acá, que trabajó con Pappo, David Lebón, La Renga, Los Piojos y Luis Salinas, entre muchísimos otros.

A esta altura, ¿qué decir de la producción de un disco así? Que sólo se explica a través de la religiosa y enfermiza búsqueda de la perfección infinita e inalcanzable de un sonido compacto, con la que músicos como Cerati o el Indio Solari, por dar otro ejemplo, le dedican al trabajo de producción de un álbum. "Uno entre 1000" dice la canción. Y sí, puede ser. O más, también.

Con "Caravana", parece que el álbum por fin bajara un cambio, pero no: sube dos. La canción se descubre como la mejor manera de justificar por qué Andy Summers y Stewart Copeland le ofrecieron a Cerati reemplazar a Sting y salir de gira como The Police. Fantasmas en la materia, pero ahora. Y ahí va Cerati. Ecos, efectos, muchas resonancias.

En "Adiós", la canción en la que comparte autoría con su hijo Benito, de doce años, una frase queda flotando: "Ponés canciones tristes para sentirte mejor". Una delicia de la lírica de este músico que acaba de editar su cuarto disco solista (para trazar paralelos caprichosos con los solistas del rock de acá, algo así como el Spinetta de "Kamikaze", el Charly García de "Piano Bar", el Páez de "¡Ey!" o el Calamaro de "Nadie sale vivo de aquí"), pero que está a punto de cumplir 25 años de carrera musical.

"Adiós" y "Me quedo aquí" buscan la canción sin distorsión y el cambio de músicos entre un tema y otro se hace una constante. Pasan, tocan, se van y vuelven: cuatro bateristas (González, Fernando Samalea, Pedro Moscuzza y Emmanuel Calvet), la guitarra de Coleman, el bajo de Fernando Nalé (el único que figura en todas las canciones) y los teclados, efectos, sintetizadores y programaciones a cargo de músicos como Tweety González, Capri o Flavio Etcheto, según la ocasión.

Lo sorprendente es que, de todas formas, el disco tiene un sonido de banda, de "grabación en vivo", permitido tanto por la tecnología utilizada como por el talento de los músicos en cuestión: una especie de seleccionado que recuerda a las formaciones que rodeaban a Charly García en los años 80 (GIT, Las Ligas, Los Enfermeros), con niños terribles de oído atento a la electrónica y experimentados con más de veinte años en este asunto llamado rock.

Para los fanáticos seguidores del ex Soda (que los hay, y muchos, casi tanto como los detractores a ultranza) es momento de un dato tonto, pero tan propio de Cerati que vale la pena: él dice que el tema siete, "Lago en el cielo", es su favorito. Algo así como la expresión artística a la que aspira en su forma más completa, o al menos eso es lo que piensa hoy en día.

Lado B

Con "Dios nos libre" vuelve la guitarra sucia, justo en la mitad del álbum, como si Cerati todavía pensara en lado A y lado B en el momento de concebir una obra. Las guitarras se superponen y el tema incluye un solo galáctico de sintetizador (made in Capri), sonido de campanitas y efectos varios que hacen que uno pueda comprender por qué este músico asegura haber vivido encerrado literalmente en su estudio durante los últimos seis meses. "Dios nos libre de rogar por más", canta.

En "Otra piel" vuelve a destacarse el protagonismo de los coros (prejuiciosamente olvidados en el ámbito del rock) y en "Médium" aparecen otra vez dos guitarras épicas, bien británicas, que reafirman el estado de psicodelia melancólica. El que compone y canta esta canción es el mismo aquel de cinco temas atrás, pero que ahora no pone, sino que hace canciones tristes para sentirse mejor: "Por encima del abismo, estoy condenado a errar, de amor en amor".

"Bomba de tiempo" confirma que Cerati sigue atento a lo que sucede musicalmente en su adorada Londres y alrededores. Riff cortantes que desembocan en un hipercandombe al palo (probablemente un punto alto de los futuros conciertos).

Casi en el final, llega "Crimen", la balada Lennon-Gallagher que se lanzó como primer corte del álbum. Cerati se luce apoyado en la soberbia interpretación de estos músicos que ahora tocan exclusivamente para acompañar su voz.

El disco cierra con "Jugo de luna", sosteniendo el protagonismo rítmico de la guitarra. Aparece, entonces, ese pop espacial que ha sido marca indeleble de este artista de 45 años, sometido a una forma de composición e interpretación que ha forjado su propia carrera. Así, confirma aquel pretencioso "Ahí vamos" que se insinúa en el título y cierra el círculo cantando como en un mantra: "Perderme en un zigzag frenético? Voy por más? Voy por más. Ahí vamos". Así es, el tipo siempre parece ir por más.

Sebastián Ramos

El disco

"Ahí vamos"
Gustavo Cerati

"Al fin sucede", "La excepción", "Uno entre 1000", "Caravana", "Adiós", "Me quedo aquí", "Lago en el cielo", "Dios nos libre", "Otra piel", "Médium", "Bomba de tiempo", "Crimen", "Jugo de luna".

Los amigos invisibles

Pablo Kohan

Gritos, corridas y empujones se sucedieron en unos segundos, mientras que quienes llevaban máquinas fotográficas pugnaban por acercarse al popular intérprete, que vio así frustrado su deseo de recorrer el lugar. "Pobre… tiene derecho a dar un paseo", dijo a la agencia Télam un puestero, minutos después de que Sabina optara por retirarse del mercado.

Más allá del incidente, el histórico barrio recibió a miles de paseantes y turistas que casi codo a codo recorrían los anticuarios y ferias de la zona y se detenían a observar los espectáculos "a la gorra", que en gran variedad se presentan los fines de semana sobre la calle Defensa.